Antonio Fontanesi conquista il Giappone: oltre 200 opere in una grande mostra tra Kyoto, Tokyo e Nagoya

Antonio Fontanesi. Transcending Landscape. A European Artist at the Opening of Japan è il grande progetto espositivo internazionale promosso dalla GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino e dalla Fondazione Torino Musei in occasione del 160° anniversario delle relazioni diplomatiche tra Italia e Giappone.

Curata da Elena Volpato e Alessandro Botta, la mostra sarà ospitata dal National Museum of Modern Art di Kyoto (18 luglio – 4 ottobre 2026), dal Mitsubishi Ichigokan Museum di Tokyo (17 ottobre 2026 – 24 gennaio 2027) e dal Nagoya City Art Museum (6 febbraio – 4 aprile 2027), rafforzando il dialogo culturale tra i due Paesi attraverso uno dei più importanti protagonisti della pittura europea dell’Ottocento.

Coscienza: quando l'intelligenza artificiale si confronta con il mistero della vita

La scultura di Luca Berno e il limite ultimo della conoscenza umana

L'arte come resistenza emotiva contro l'anestesia del mondo

Spegnere le notifiche per non lasciarsi consumare dal rumore dei missili e dei comunicati gelidi non è disinteresse, ma un riflesso di autodifesa. Quando l'orrore diventa un bombardamento perenne, il rischio è di ritrovarsi anestetizzati, con il volume emotivo che si abbassa fino al silenzio. È in mezzo a questo rumore che l'arte diventa necessaria, quasi come l'aria. Non è un rifugio per scappare, ma un modo per non farsi mangiare dal cinismo e proteggere quella fragilità che ci ostiniamo a voler tenere viva.

“La necessità del segno”. Simona Carbone (Blacksy)

Nel lavoro di Blacksy l’arte non è mai semplice rappresentazione, ma un processo di interrogazione profonda sull’esistenza. Non si limita a mostrare, ma attraversa; non descrive, ma interroga. La sua ricerca si muove lungo un territorio sospeso tra intimità e universalità, dove l’esperienza individuale si trasforma in linguaggio condiviso e la materia si carica di significati simbolici, diventando corpo sensibile del pensiero.

Il critico d’arte ha ancora senso oggi?

Nel secolo scorso il critico d’arte insieme al gallerista erano le due figure chiave su cui si reggeva il sistema dell’arte per relazionare pubblico e artisti. In un panorama di interessi quanto mai variegato ma effervescente il critico d’arte si ergeva per la sua capacità di proiettare la sua luce sapienziale su questo o quell’artista così da orientare gli interessi dei collezionisti se non addirittura di indirizzare le mode.

L’arte come spazio di cura: perché oggi la creatività risponde a un bisogno collettivo

In un contesto globale segnato da crisi e instabilità, l’arte contemporanea assume sempre più il ruolo di spazio di ascolto, riflessione e cura collettiva.

L’artista contemporaneo e la costruzione di sé: dalla bottega al brand personale

Dalla bottega alla presenza digitale, l’Artista oggi affronta sfide inedite che ridefiniscono ruolo, responsabilità e visione.

Fragile è il tempo. L’arte come respiro nell’epoca dell’incertezza

Ogni epoca si misura con la propria fragilità. La nostra lo fa attraverso immagini, suoni e parole che cercano di dare un senso al disordine del presente. E’ in questo tentativo che l’arte ritrova la sua voce più autentica.

Quando la pubblicità sposa l'arte contemporanea

Due uomini si trovano presso una galleria d'arte, uno di essi spegne una candela sulla testa di un manichino posto come istallazione. Un altro uomo si sofferma davanti una banana appesa al muro e chiede all'Intelligenza artificiale degli occhiali Ray Ban delle informazioni su ciò che sta guardando. Gli viene risposto che si tratta dell'opera dal titolo Comedian di Maurizio Cattelan il cui valore è di 6,2 milioni di dollari. L'uomo è sconvolto dalla cifra poi l'inquadratura torna sul primo che osserva un'altra istallazione. A quel punto arriva l'amico e vede che sta mangiando una banana. Subito si intuisce che la banana è stata staccata dall'istallazione. Così i due si prodigano nel cercarne una da sostituire, e mentre cercano all'interno di un frigorifero in quel momento arriva una donna che chiede: «Chi mangia l’arte?» Ma i due sembrano dare una risposta piuttosto confusa ed è a quel punto che la donna chiede ai suoi occhiali di chiamare il suo avvocato.

Quella appena descritta è la pubblicità geniale dei nuovi occhiali con annessa intelligenza artificiale.

Anna Lora e l’ArtScience: dove arte e scienza si fondono in una visione sinestetica del futuro

Nel corso della storia, arte e scienza sono sempre stati considerati mondi separati, a volte addirittura opposti. L’arte si fonda sull’intuizione, l’estetica e l’emozione, mentre la scienza si basa sulla razionalità, sull’osservazione oggettiva e sul metodo empirico. Tuttavia, questa dicotomia è relativamente recente: basti pensare a figure come Leonardo da Vinci, che univano genialità artistica e spirito scientifico, per comprendere come l’incontro tra queste due discipline sia non solo possibile, ma anche fecondo.

Oggi, in un’epoca caratterizzata da sfide globali e da tecnologie sempre più sofisticate, il dialogo tra arte e scienza diventa urgente e necessario. In questo contesto nasce l’ArtScience (o SciArt), un ambito interdisciplinare in cui artisti e scienziati collaborano per generare nuove forme di conoscenza e aprire immaginari alternativi sul mondo. Non si tratta soltanto di abbellire concetti scientifici o visualizzare dati: l’ArtScience costruisce veri e propri processi creativi condivisi, dove la sensibilità artistica pone nuove domande e la ricerca scientifica ispira nuovi linguaggi.

Abbiamo incontrato Anna Lora, giovane performer e studentessa di ArtScience in Olanda, per approfondire questa disciplina e scoprire cosa significhi oggi costruire un percorso che attraversa arte, scienza e tecnologia

Il viaggio dell’arte italiana nei territori spagnoli. Un racconto curatoriale firmato Alessandro Giansanti

Nei giorni scorsi, il pubblico valenciano ha preso parte con entusiasmo al vernissage della mostra Andar Visivo, nuova tappa del progetto espositivo itinerante promosso da Agarte – Fucina delle Arti. Ospitata presso la Aleksandra Istorik Gallery, la rassegna ha segnato un nuovo e significativo passo nel percorso artistico e curatoriale ideato da Alessandro Giansanti, giovane curatore e gallerista impegnato da anni nella valorizzazione dell’arte italiana in contesti internazionali.

Il progetto nasce con una precisa intenzione, creare un percorso espositivo dinamico, che superi i limiti della mostra tradizionale e statica, offrendo agli artisti italiani un’occasione di reale confronto con pubblici, culture e spazi differenti.

Il progetto artistico "Autoritratti IlaPisiani"

“Autoritratti IlaPisiani” è un progetto artistico di rara intensità emotiva e straordinaria complessità psicologica, che si pone come un viaggio catartico nell’anima dell’artista Ilaria Pisciottani. Questo corpus di oltre venti autoscatti, concepiti in un arco di tempo che va dal 2017 al 2023, rappresenta un’odissea personale attraverso le ombre più profonde del suo esistere.

Codex Seraphinianus: quando una lingua diventa un'opera d'arte

Una lingua è un sistema articolato di segni, suoni e simboli utilizzato da un gruppo di parlanti per comunicare tra loro, per esprimere pensieri, emozioni, idee e concetti. Cosa accade quando una lingua prende forma dall’immaginario di un artista, evolve nel tempo, si plasma fino a diventare lineare e strutturata ma priva di significato apparente?

Una critica alle fondamenta dell’arte contemporanea

I lettori più attenti si saranno accorti ormai da tempo quale sia il tono che accompagna i miei articoli che riguardano l’arte contemporanea. In genere al tentativo di proporre un’analisi delle opere, aggiungo inevitabilmente una sferzata che prende di mira il messaggio fin troppo effimero dell’artista di turno. In questa personale valutazione ammetto di temere l’ebrezza d’essere il solo a pensarla così. E invece, scopro con mio grande piacere quanto possa essere ben più articolata e autorevole la descrizione di un critico d’arte come Andrea Barretta.

L’arte incontra lo sport: i dinamismi di Umberto Boccioni

Il legame tra arte e sport in età contemporanea non è così impossibile da individuare, come in apparenza si potrebbe pensare, e durante il corso del primo Novecento, periodo in cui sia l’arte che lo sport si aggiornano e si diffondono in maniera sempre più capillare nella società italiana, un contributo importante in questo ambito è stato offerto da un artista tra i più rinomati e influenti: Umberto Boccioni.

Quando il cinema contesta l'arte contemporanea

Tempo fa espressi tra le pagine di questo sito tutta la mia perplessità riguardo all'arte contemporanea, perplessità che si scontravano col fatto che l'intero sistema dell'arte e della cultura sembra voler ragionare in maniera opposta alla mia. Ma è pur vero che tra la gente comune è evidente un certo sbandamento di fronte alle opere contemporanee, se non un vero e proprio rifiuto. In parte è l'interpretazione che abbiamo dato dell'incendio della Venere degli stracci a Napoli o di uno sputo ad un'opera di Lucio Fontana avvenuto anni fa a Roma. Questo sentimento particolarmente vivo nella gente comune è stato raccontato persino in un episodio del film Dove vai in vacanza? del 1978.

Il nuovo catalogo di JoJo Huxford

È uscito il nuovo Catalogo dell’artista JoJo Huxford. Si tratta della quinta pubblicazione curata dal Blog L’Artechemipiace per l’artista statunitense.

Il nuovo catalogo personale di JoJo Huxford costituisce un affascinante viaggio nell'ambito della sua ricerca artistica, con all’interno una testimonianza tangibile della sua evoluzione creativa avvenuta nel corso degli anni. Quindi non solo un'opera di presentazione dei suoi lavori artistici ma un raccoglitore di esperienze e creazioni, un documento prezioso che incapsula il suo percorso, catturando il fluire del tempo e il miglioramento del suo operato nel corso della sua carriera.

L'Ukiyo-e nel Mondo Moderno

L'ukiyo-e, tradizionalmente conosciuto come l'arte della xilografia giapponese, ha radici profonde nella cultura e nella storia del Giappone. Ma, come ogni forma d'arte resiliente, si è evoluto nel tempo, abbracciando cambiamenti e influenze esterne. Mentre una volta ritraeva belle geishe, audaci samurai e paesaggi tranquilli, oggi l'ukiyo-e ha trovato un nuovo respiro nella cultura pop, specialmente nel manga e negli anime.

Shintaro Ohata, magica arte tridimensionale

 

Per me, i dipinti non esistono solo per esprimere qualcosa, ma anche come mezzo per due persone per connettersi tra loro e per condividere quell'emozione.

La creatività di Shintaro Ohata si esprime attraverso l'armoniosa fusione di due tecniche distinte e separate, pittura e scultura, dando origine a opere d'arte tridimensionali uniche. Queste creazioni presentano un notevole approccio cinematografico, enfatizzando il dramma della vita quotidiana. Queste opere si rivelano come autentici disegni viventi, trasmettendo un'ardente volontà di continuare il loro movimento, anziché rimanere statici nell'istante raffigurato.

Quando l'arte viene disprezzata, l'incendio della Venere degli stracci. Intervista a Pietro Marchese

Il 12 luglio è stato appiccato un incendio all'opera di Michelangelo Pistoletto la Venere degli stracci. Si tratta di un'installazione finanziata dal Comune di Napoli per arricchire l'offerta culturale della città. L'opera però è stata distrutta da un incendio doloso. Qui su Elapsus ci chiariamo: è possibile che sia stata distrutta come atto di disprezzo nei confronti di un'opera brutta e incomprensibile?